Moet kunst worden uitgelegd?

We bekijken kunstwerken terwijl we door kunstgalerijen bladeren, waaronder sculpturen die door de kamer zijn verspreid en schilderijen aan de muren. soms ook performances en installaties. Meestal zijn de eerste vragen hetzelfde: wat betekent dat? Welke boodschap proberen deze objecten over te brengen? Wat is het punt hiervan?

Bezoekers van kunstgalerijen worden vaak aangespoord om de moderne orthodoxie te volgen, die stelt dat een kunstwerk op verschillende manieren kan worden begrepen en dat de kijker het stuk “voltooit” door subjectieve associatie en open betrokkenheid. De veronderstelling dat een kunstwerk met een door de maker verleende unieke betekenis, daar te ontcijferen als een puzzel, wordt in dit perspectief gezien als een elitaire tirannie, een onbetaalbare grens aan de manieren waarop werken kunnen worden ervaren. Er wordt aangenomen dat het niet waar is dat de kunstenaar de laatste rechter van het werk is.

musea voor hedendaagse kunst

Dit standpunt is grotendeels aanvaard door moderne kunstgalerijen (evenals de kunstenaars wiens werk ze tentoonstellen); in feite zet het grootste deel van de hedendaagse kunst hetzelfde onderzoek voort waaraan Barthes heeft bijgedragen, waarbij hij de hardnekkige veronderstellingen over artistieke keuzevrijheid en waarde in twijfel trekt. Waar begint en eindigt een kunstwerk? Wie is degene die het heeft gemaakt? Wie bepaalt wat echt waardevol is?

Dit bredere vraagstuk is voor veel kunstenaars en kunstinstellingen van belang. Feminisme, postkoloniale studies en identiteitspolitiek hebben allemaal invloed gehad op hoe moderne kunstenaars kunst zien als een object dat is geëvolueerd als gevolg van tal van externe omstandigheden. Het doel is om een ​​meer genuanceerd begrip te tonen van hoe kunst wordt gemaakt en ervaren, evenals een besef dat niets in een vacuüm gebeurt: er zijn maatschappelijke invloeden zoals onderwijs, privileges en discriminatie, naast de markt, de beschikbaarheid van materialen, artistieke trends, enz.

instellingen

Het is dwaas om te geloven dat kunst gewoon wordt gemaakt en vervolgens op deze manier wordt weergegeven. Het bestellen, selecteren, arrangeren en promoten van kunst vindt plaats binnen de galerie zelf, altijd in het voordeel van sommige kunstvormen en het verlies van andere.

Als reactie op deze omstandigheid hebben kunstgalerijen de laatste jaren de neiging om een ​​meer zelfbewuste houding aan te nemen. Ze hebben de wens geuit om de effecten van vooringenomenheid en privileges te bestrijden, om gezien te worden om de kracht van de galerij bloot te leggen en om die macht op de een of andere manier over te dragen – om het niet voor zichzelf te houden, maar om het te onthullen en in plaats daarvan te delen.

Het opzetten van tentoonstellingen met een duidelijke curatoriële basis is een manier om dit aan te pakken. Een bekende kunstenaar kan bijvoorbeeld worden gevraagd om een ​​creatieve re-hang van eerder gezien kunstwerk te cureren. Galerijen hebben een minder lastige methode gevonden om de kunst die ze beschikbaar hebben in dit formaat te tonen. Het blootleggen van de technieken van de tentoonstelling houdt in dat men de controle erover afstaat en er een democratischer fundament aan geeft, of zo niet democratisch, een expliciet individualistisch fundament. Curatorische interventies worden tegenwoordig dus publiekelijk en met pracht en praal gedaan.